Reseña Diálogos Ilusorios de Jim Campbell
De la serie Memory Works de Campbell
Episodios Colombianos de Edwin Duarte
El proyecto instalativo de Edwin Duarte resalta y narra algunos de los problemas socio-políticos Colombianos, los cuales son tenidos en cuenta por la mirada de un espectador inmerso en el hábitat Colombiano. Una mirada que parte del acontecimiento del T.L.C con Estados Unidos, el cual fue aprobado en el 2011 y se detiene en las elecciones del año 2014.
Lo anterior se refiere a una narración en este caso por un medio visual y reflexivo que retoma parte de las prácticas y subjetividades de un habitante citadino. A partir de las experiencias y vivencias provocadas por las reformas, eventos sociales o políticos e información de medios de comunicación, se crean versiones o comentarios de los diferentes sucesos que irrumpen lo cotidiano por medio de un juego interactivo con el espectador.
vía Wanda Uribe Villa
Estética y opción decolonial
Por Wanda Uribe Villa
Wanda Uribe Villa
Para abrir un punto de anclaje con la estética decolonial y crear a partir de éste una discusión sobre lo que es la estética decolonial, su relación que por mi parte encuentro positiva con la estética relacional que propone Nicolás Borriaud y la vivencia de estas teorías en la vida diaria fuera del ámbito artístico, cito una parte del texto del libro Estéticas y opción decolonial en el que resalto especialmente la reflexión expuesta por la autora Madina Tlostanova acerca de la estética, la decolonialidad, la aiesthesis y su crítica frente a la estética relacional propuesta por Borriaud.
Borriaud simplifica la realidad social y el arte contemporáneo, borrando la frontera entre arte y vida, no en la dirección de altos ideales utópicos como pasó con los románticos, sino más en la dirección de llevar el arte al nivel de lo mundano y convertirlo en el generador de una especie de ambiente social artificial para la acción colectiva de un grupo hipotético de personas.
Lo que aparentemente falta en la estética relacional es la complejidad conflictiva y la contextualidad dinámica de la vida y el arte contemporáneo, la multiplicidad de subjetividades y relaciones inter-subjetivas, un consenso sobre qué o quién es el sujeto o el artista contemporáneo, o sobre la posibilidad de cualquier experiencia, homogénea y compartida, en el aprecio o interacción con el arte
Al leer este fragmento, encuentro desazón por parte de la autora hacia la estética relacional que propone Nicolas Borriaud. La estética relacional consiste en una relación directa de la plástica en la vida social interactuando con un grupo definido de personas con un fin específico, por ejemplo, la aparición del graffitti como denuncia en contra de la injusticia por parte del gobierno estadounidense. Otro ejemplo de la estética relacional es la exposición de esculturas al aire libre por parte de Fernando Botero en la ciudad de Medellín recuperando un espacio y convirtiéndolo en un punto de encuentro entre la vida cotidiana de los ciudadanos de Medellín mientras tienen un acercamiento directo con las piezas escultóricas de uno de los exponentes del arte colombiano más representativos en el mundo. Una muestra de que los ciudadanos interactúan directamente con las esculturas son las huellas que dejan nos transeúntes sobre las mismas. Tocándola, haciendo parte por un momento de la escultura y convirtiéndola en un ser humano vivo y real que posa junto a ellos, gustoso, para las fotos que les recordarán el haber estado allí y haber posado junto a estos personajes.
Madina Tlostanova
Es por esto que considero la estética relacional un movimiento que colabora fuertemente con la estética decolonial, porque además esta transforma el pensamiento de la colonia para que se aproxime a algo propio y no sólo eso, sino que abre y destruye las fronteras que delimita el hecho de ser colonia. La estética decolonial transforma las fronteras que impone el conolianismo para abrir la mente y darse cuenta que así como es importante el descubrimiento, digamos, de América por parte de Europa, también América conquistó de alguna manera el espíritu europeo.
Las estéticas decoloniales intentan destruir esas barreras que son, principalmente, mentales. Lo menciono de esta forma pues es normal que alguien que piense en colonialismo, en el caso del texto de Madina, los postmodernos, piensa en una inferioridad y un control por parte de uno. De un dominado y un dominante, no cree en la interacción, mientras que las estéticas decoloniales asumen que este “control” está de todos modos sujeto a lo que el ser dominado conforma, es decir, el dominante debe tranformarse y al transformarse hay una transición de lo que era para transformarse en otro.
Con esto, siento que la fuerte crítica que genera Tlostanova alrededor de la estética decolonial y la estética relacional. no tiene mucho sentido, puesto que mientras en la estética decolonial se están esfumando jerarquías de control social que se han establecido a través de la historia y que los postmodernos ven como algo completamente trágico, asímismo la estética relacional genera relaciones del público con las artes, esfumando también las jerarquías que se le han asignado a través de la historia a las galerías de arte, a los museos, como lugares específicos a los que solamente puede acceder un determinado tipo de personas, llevando el arte a las calles, haciendo que la gente “normal” interactúe con las obras y tal vez generando un cambio dramático en su percepción del mundo, ya sea denunciando injusticias o presentando ante ellos lo que no es habitual, porque se les quita el derecho de acceder a los circuitos del arte desde hace mucho. Entonces, así como el artista relacional debe hacer un estudio de la comunidad en la que va a trabajar (hace el trabajo de artista como etnógrafo que menciona Hal Foster en su texto “El artista como etnógrafo”) y transformarse e incluso obtener lo que Foster denomina como “identidad” con esta comunidad, la comunidad también acoge al artista y su forma de pensamiento, sin que esto signifique que alguna de las dos partes esté dominando o colonizando a la otra, contrario a lo que podría pensar un postmoderno, en este tipo de relaciones no hay dominio, sino intercambio, influencia de un lado y del otro, para crear nuevas formas del ver el mundo. Acerca de las formas y modos de ver el mundo, la autora menciona y se centra muy bien en el concepto de aesthesis,, denominado como la capacidad de conocer el mundo a través de la percepción de los sentidos. Con esto, también inicia una discusión acerca de la pureza de la percepción de los sentidos, un postmoderno, encontraría la “pureza” mientras que la autora propone la aesthesis con relación a las estéticas decoloniales como un devenir y una relación entre las partes para la influencia del pensamiento en la percepción del mundo a través de los sentidos.
LOS CIBORGS COMO ARTE
Por: Wanda Uribe Villa
Si entendemos el arte como un compromiso y una propuesta de los artistas hacia la sociedad, entonces es válido hablar del surgimiento de los ciborgs a fines del siglo pasado como una propuesta artística interesante.
Para entender qué se considera un ciborg, vamos a la definición de una de sus principales teóricas, Donna Haraway en el Manifiesto Ciborg (1984):
Un ciborg es un organismo cibernético, un híbrido de máquina y organismo, una criatura de realidad social y también de ficción.
Se entiende la naturaleza social del ciborg, o como lo diría William Gibson en su novela El Neuromante, “la alucinación consensuada” de su origen. Es decir, que el ciborg parte de una ficción, una alucinación y un consenso. Pero que sea social no lo aparta de lo humano, pues para Aristóteles el hombre era un Zoon Politikon, lo que significa un animal social, o un animal político.
Como vemos el hombre era un animal político para Aristóteles y Haraway dice que el Ciborg es una criatura de realidad social, casi refiriéndose al mismo punto. Entonces vemos que social y político están a un mismo nivel y el Ciborg es una criatura política en su definición.
¿Qué aparta o diferencia al hombre del ciborg si ambos son criaturas políticas o sociales? ¿Que uno sea animal y otro no? Eso no es correcto totalmente porque en la misma creación de la palabra Ciborg están dos ideas. Lo cibernético y lo orgánico: CIB (Cibernético) ORG (Orgánico) Y lo orgánico quiere decir que aún existe algo animal en esta criatura.
Si analizamos el componente de ficción que agrega Haraway a la definición de humano podemos ver como se articula este nuevo ente con el arte y su importancia.
Es la etimología principal de arte como lo es de artificio, entonces se entiende el arte o el artificio como algo que no es producto de la naturaleza sino de la mente humana, la que no es natural, pues esta pigmentada por impresiones y en la naturaleza no se permiten las «impresiones» pues algo es o no es, mientras que el espíritu y la mente humana crea impresiones del mundo que habita, pero no son impresiones animales, pues cualquiera alegaría que entonces las bestias también tienen impresiones del mundo.
Los animales las tienen pero son solo a través de la realidad que les brinda la naturaleza, mientras que los humanos nos llevamos impresiones y las causamos falsas en el mundo. Por tanto el arte es algo hecho no por la naturaleza sino por el espíritu engañoso del hombre. Lo que lo lleva a ser algo falso y fuera de la naturaleza. Pero esta dentro de la naturaleza humana que, por supuesto, es falsa.
La Ciudad Bolivar de Cejaz Negras por Vincent Moon
El rapero Cejaz Negras conoce el secreto que guardan las lomas de Ciudad Bolivar, por esto lleva su mensaje de las calles al mundo y del mundo a las calles de su barrio brindado esperanza a una juventud que muchas veces la ha perdido por las duras circunstancias.
Este video trata de ser un retrato del rap de Cejaz Negras o Crack Family en una presentación en el 2011. En palabras del director del film, Vicent Moon:
Espero que pueda ofrecer una visión radical y distinta dentro de este mundo tan poco representado, lejos de los clichés y al interior del barrio.
via: Wanda Uribe Villa
El arte transgénico más allá del conejito verde
{_ Por Wanda Uribe Villa _}
Wanda Uribe Villa
ABSTRACT
En el texto se abarca el tema del arte transgénico como una técnica que ha existido en el arte antes de adquirir dicho nombre, también se plantea el arte transgénico como un método para lograr que las generaciones presentes y futuras de artistas comprendan que la separación entre tecnología y cultura cada vez es más difusa y que los dualismos entre software y hardware ya no presentan las mismas dificultades y diferenciaciones con las que fueron concebidos en principio. Es una crítica al saber popular de separación entre dos mundos (arte y tecnología) que están más relacionados de lo que se conoce, incluso desde antes de existir el concepto de arte transgénico.
ARTE TRASGÉNICO
Para construir una definición de lo que es Arte Transgénico y su incidencia en el contexto latinoamericano, es pertinente citar las palabras de la historiadora del Arte Ana Rosa Valdez ante la pregunta ¿Qué entiende por arte transgénico y cuál es su posición? A lo que responde con éstas palabras:
Antes me parecía una forma de experimentación oportuna en relación con ciertos avances “científicos”, pero ahora tengo otra idea al respecto. La obra de Kac del conejito me parecía genial. Pero ahora no estoy segura del planteamiento de Kac en cuanto a reflexionar sobre la repercusión de la relación entre arte y ciencia. Creo que Kac hace una suerte de ready made para el mundo del arte. No veo ahí mayor cosa que lo que ocurre, por ejemplo, con la oveja Dolly en el mundo del espectáculo y los medios. Y decir arte transgénico es como decir arte pintura, o arte escultura. Él otorga centralidad al medio mediante una reflexión sobre este mismo. Otra de las cuestiones es la ética. Al respecto mantengo la misma postura que tengo sobre la experimentación en animales. No creo que sea necesaria para demostrar la hipótesis, creo en una ciencia libre de sufrimiento de seres vivos. Me gustan más las obras de arte “robótico” de Kac, por cierto, que se preguntan por el cuerpo transhumano, una realidad corporal asistida por la robótica. El asunto es que lo estético en estas obras suele verse como valor agregado y no como punto de partida. O sea, ¿de qué sirve tener, por ejemplo, abrigos hechos con tejidos transgénicos? Yo no veo mayor aporte que el realizado por la ciencia. [1]
La posición de Ana Rosa Valdez tiene varios puntos sobre los que vale la pena reflexionar pues plantea, primero que todo una relación entre arte y ciencia de la que existen antecedentes tan importantes como Leonardo Da Vinci con sus constantes intentos de creación acompañados de técnicas artísticas del momento que definieron el arte de su época. Asimismo, el brasilero Eduardo Kac, está haciendo la relación entre los métodos artísticos de su época y los avances científi
cos de la misma, con “Alba, el conejo fluorescente”, Kac nos presenta la posibilidad de manipular los genes de un animal y mezclarlos con otro, estas posibilidades abren la mente y dan paso no sólo a nuevas propuestas estéticas sino también a avances científicos de gran importancia, como puede ser el uso del ADN humano y mezclarlo con algunas propiedades de máquinas o de otros animales para prolongar la vida de los humanos o para aumentar su destreza en uno u otro campo, como lo hace el reconocido artista británico Neil Harbisson que desarrolló un aparato que mantiene conectado a su cerebro para ver colores a través de las ondas sonoras, potenciando así una capacidad que ya tiene, la del oído para hacer una imagen con las ondas del sonido que su cerebro procesa.Entonces el arte transgénico nos traslada al transhumanismo, a recurrir a las ayudas tecnológicas para hacer del humano un súper humano y potenciar las capacidades que ya tiene en capacidades fuera de lo común haciendo de este ser alguien extraordinario.
La mirada indiscreta de Susan Sontag
{_ Por Wanda Uribe Villa _}
La mirada de Susan Sontag, casi obsesiva por el hecho de observar a través de una cámara como un órgano que se extiende y que alcanza a los otros, llega a representarse casi con exactitud en La ventana Indiscreta, una película dirigida por Alfred Hitchcock en la que un fotógrafo aventurero, queda en estado de reposo al romperse una pierna, sin embargo, su interés por la observación de lo que hay a su alrededor, en vez de cesar gracias a su estado de movilidad reducida, aumenta hasta el punto de espiar todo lo que hacen sus vecinos a través de su ventana, extiende su órgano de potencia, su ojo, a través de la cámara y los alcanza de una forma que jamás hubiese imaginado, conoce la soledad de unos y la alegría de otros y también descubre un crimen, haciéndose partícipe, según la mirada de Sontag en su texto En la caverna de Platón, de éste por el sólo hecho de observar y no hacer nada, sin embargo, la historia da un giro inesperado cuando él le cuenta a su compañera sentimental y a su enfermera todo lo que ha visto y ellas funcionan también como una extensión de sus brazos y piernas, pues cruzan el umbral de comodidad en el que se encuentra el fotógrafo y se involucran en la escena de lo observado.
A través de la imagen nos podemos comprometer con una causa, guardarla para nosotros, crear un dominio sobre esta, una relación de poder, pues si tengo la foto de este o de aquél en la billetera o en el celular, siento que me pertenece, siento que su esencia está conmigo, a través de una imagen, en la sociedad del momento, el texto de Sontag tiene muchísimo más sentido que entonces, pues ahora el mundo está plagado de imágenes que vemos y recopilamos en nuestras mentes todos los días, pues el cerebro nunca olvida, y almacenamos en nuestros ordenadores, en nuestros álbumes virtuales, en las plataformas de internet, haciendo de éstas imágenes un espectáculo casi placentero para ver, pues es bien sabido que ahora, con todas las redes sociales virtuales que existen, es muy fácil llegar a conocer a alguien a través de imágenes, podemos saber cuándo fue una persona a un lugar sólo con acceder a su perfil público en Facebook, podemos saber lo que siente o cree, a través de Twitter. ¿Pero nos están dando estas redes una pista real sobre lo que es una persona o nos estamos imaginando a alguien y lo construimos a través de estas leves impresiones?
Smoke: historia de la ciudad a través de la fotografía.
Reseña de Wanda Uribe Villa
Smoke, la película, cuyo guión pertenece al reconocido escritor Paul Auster, se desarrolla en la gran ciudad de New York, una ciudad emblemática porque si no pasa algo allí, entonces no pasa en el resto del mundo. Es además reconocida por sus millares de habitantes como una ciudad llena de historias, que todo el tiempo se intercambian una con otra, haciendo la historia general de la ciudad, una historia rica en versiones en las que todas armonizan para presentar el monstruo que representa New York City para todo el mundo. Similar a la historia de New York, es la historia de la fotografía que nos menciona Walter Benjamin en “Breve historia de la fotografía”. Son diferentes formas, diferentes caminos que se toman para un mismo fin que no llega a ser el mismo para todos, sino que cada uno, emplea una técnica diferente, para un resultado asimismo tan extraordinario como su proceso, en el caso de las historias que se desarrollan en la ciudad, cada persona tiene un modo de ver la ciudad que a su vez convierte su historia dentro de esta extraordinaria.
Atget por Abbot
Así como Berenice Abbot descubre a Eugene Atget, un fotógrafo anónimo, que fotografía la cotidianidad de su ciudad sin darse cuenta de que lo que está haciendo es uno de los mayores aportes a la fotografía: la fotografía de postal. Con estas fotografías emblemáticas de una ciudad, está creando su ciudad a través de fotos y cuenta la historia de ésta a través del método que en principio no fue considerado arte sino un servidor de éste, entonces creó piezas de arte a partir de la vida de su ciudad y la consideró digna de fotografiar inmortalizándola a través de su obra. De la misma manera Paul, el personaje de Smoke , descubre a Auggie, que, casualmente está desarrollando una de las doctrinas que se utilizan mucho en la fotografía contemporánea: la toma de fotografías a un mismo objeto/sujeto en diversos momentos, creando un álbum personalizado de aquella cosa o persona. También Auggie hace de su ciudad una historia, presta la historia de esa esquina y la convierte en un emblema, en algo digno de fotografiar, convierte el lugar en el que pasa todo el mundo todo el tiempo, en un lugar digno de pertenecer a un recuerdo, a una foto, y asimismo, de pertenecer a alguien, como cuando Paul reconoce en una de sus fotografías a su ex esposa muerta, la recuerda a través de la fotografía de Auggie y se siente dueño de esta al evocar un recuerdo que es solamente suyo pero que ahora debe compartir con su amigo pues este también compartió su pertenencia, su foto, su recuerdo, con él. Es entonces la fotografía un método para hacer de los recuerdos algo propio, crea nostalgia e inmortaliza momentos que tal vez pueden ser irrelevantes en el recuerdo pero que al pasar por el filtro de convertirse en una imagen, tienden a convertirse en momentos históricos, se verifica su existencia a través de la historia y así se acumulen, crean un imaginario de lo que pasó en un lugar determinado.
Memazos del 2013
La doctrina cristiana en estas épocas de internet desenfrenado. (7 de mayo)
Un año que viene y otro que se va. El 2013 fue otro año que se fue con todo y memazos. Memes que en ocasiones ejercieron su función como puntuación de Mil Inviernos. También sirvieron para comunicarnos con nuestros seguidores en redes sociales, de una manera menos formal que a través del estricto texto que nos esmeramos en subir y seleccionar directamente en la página web.
Estos son los memazos con los que se fue el 2013, mientras esperamos que el 2014 venga con sus respectivos pepazos:
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- Tres consejos de un hacker suicida: Aaron Swartz http://milinviernos.com/2013/01/13/tres-consejos-de-un-hacker-suicida-aaron-swartz/
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- «Me la hiciste tragar toda, pillo» Fragmento de Tríptico de Verano y una mirla.
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- A celebrar por el natalicio de Edgar Allan Poe y el primer aniversario de Mil Inviernos (19 enero)
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- El arte poética de los Rolling Stones
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- RGG
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- De la sabiduría de Eclesiastés
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- Una marica llamada Genet
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- Life of Pi
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- El gran poeta argentino del siglo XX
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- Felices 204 años, Charles Darwin!!!! http://milinviernos.com/2013/02/12/la-cabeza-teologica-de-charles-darwin/
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- Se cayó el meteoro y Cioran, Juan y Sánchez Merlano nos dan sus impresiones http://milinviernos.com/2013/02/15/el-meteorito-segun-juan-cioran-y-sanchez-merlano/
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- Wanda Uribe Villa muere tres veces en esta serie de fotografías. http://milinviernos.com/2013/02/16/las-tres-muertes-de-wanda-uribe-villa/
Invocación al encanto del pellejo
Por: Wanda Uribe Villa
Decía Hawthorne Abendsen en «El hombre en el castillo» de Philip K. Dick que un escritor, lo mismo que una dama, jamás revela sus trucos. Pero hoy jugaremos con las cartas abiertas. Estos son trucos para que la euforia de tu magia jamás se desvanezca en la noche.
Si quieres que tu cuerpo se relaje, haz una mezcla de agua de rosas y leche de coco y aplícalo en todo el cuerpo.
Como agente humectante puede funcionar una mezcla de miel de abejas y aceite de oliva, lo dejas cinco minutos y lo enjuagas con agua tibia.
Para exfoliar el cuerpo, mezcla miel con azúcar morena y masajea suavemente hasta sentir el efecto, enjuaga con agua fría y humecta.
Si te molestan las manchitas rojas en la cara, mezcla yema de huevo y un poco de jugo de limón, dejas actuar por cinco minutos, enjuagas con agua fría.
Como exfoliante para la delicada piel de los labios, debes hacer una mezcla de vaselina casera y azúcar blanca, masajes los labios con esta mezcla y los enjuagas con agua fría.
Para hacer vaselina casera, sólo debes conseguir 1 onza de cera de abejas rallada y media taza de aceite de oliva, mezclas estos dos ingredientes y los dejas calentar en una olla a fuego muy bajo, esperas a que se mezcle y viertes en un frasco para que se enfríe. Este tipo de vaselina no es hecha a base de petróleo por lo que puedes utilizarla también como humectante para los labios sin causar daño.
Editorial Milinviernos
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